One Direction presentación en los AMA'S
One Direction triunfa en los American Music Awards sin Zayn MalikOne Direction presentación en los AMA'S
One Direction triunfa en los American Music Awards sin Zayn Malik
martes, 24 de noviembre de 2015
ONE DIRECTION AMA'S 2015- PRESENTACIÓN.
One Direction presentación en los AMA'S
One Direction triunfa en los American Music Awards sin Zayn Malik
Ariana Grande AMA'S 2014, GRAMMY 2014
Ariana Grande AMA'S 2014
Ariana Grande y The Weeknd compartieron escenario el domingo pasado durante los premios American Music Awards para interpretar y bailar “Problem”, “Break Free”, “Love Me Harder”.
Acá la presentación:
lunes, 16 de noviembre de 2015
TORRE EIFFEL
TORRE EIFFEL
La
torre Eiffel (tour Eiffel, en francés), inicialmente nombrada tour de 300 mètres
(torre de 300 metros), es una estructura de hierro pudelado diseñada por
Maurice Koechlin y Émile Nouguier y construida por el ingeniero francés Gustave
Eiffel y sus colaboradores para la Exposición universal de 1889 en París.1
Situada
en el extremo del Campo de Marte a la orilla del río Sena, este monumento
parisino, símbolo de Francia y su capital, es la estructura más alta de la
ciudad y el monumento que cobra entrada más visitado del mundo, con 7,1
millones de turistas cada año.2 Con una altura de 300 metros, prolongada más
tarde con una antena a 324 metros, la torre Eiffel fue la estructura más
elevada del mundo durante 41 años.
Fue
construida en dos años, dos meses y cinco días, y en su momento generó cierta
controversia entre los artistas de la época, que la veían como un monstruo de
hierro.3 Inicialmente utilizada para pruebas del ejército con antenas de
comunicación,4 hoy sirve, además de atractivo turístico, como emisora de
programas radiofónicos y televisivos.
MARINLY MONROE
MARILYN MONROE
Norma
Jeane Baker Mortenson (Los Ángeles, 1 de junio de 1926 – ibíd., 5 de agosto de
1962), mejor conocida en el mundo artístico por su seudónimo Marilyn Monroe,
fue una de las actrices estadounidenses de cine más populares del siglo XX,
considerada como un ícono pop y un símbolo sexual.1
En
1945, Mortenson empezó a trabajar como modelo y más tarde comenzó su carrera en
Hollywood con el nombre artístico de Marilyn Monroe. Desde finales de la década
de 1940, apareció en muchos pequeños papeles, gracias a un contrato con
Twentieth Century-Fox; durante esa etapa se destacan sus participaciones en The
Asphalt Jungle (1950) y All About Eve (1950). Su primer papel protagónico lo
obtuvo en la cinta de 1952 Don't Bother to Knock. Su período de mayor
popularidad sucedió a partir del año siguiente, cuando encabezó filmes como
Gentlemen Prefer Blondes (1953), How to Marry a Millionaire (1953) y The Seven
Year Itch (1955). Tras matricularse en el Actor's Studio, fue alabada por la crítica
por su labor en Bus Stop (1956). Simultáneamente, en colaboración con Milton
Greene, fundó la Marilyn Monroe Productions.2 Su protagónico más elogiado fue
el Sugar Kane para la película de Billy Wilder Some Like it Hot (1959), por la
que incluso ganó un Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical.3 En
sus últimos años actúo en películas como Let's Make Love (1960) y The Misfits
(1960).
Estuvo
casada en tres ocasiones –con James Dougherty, Joe DiMaggio y Arthur Miller– y
se le atribuyeron noviazgos con los hermanos Bobby y John Kennedy. Falleció el
5 de agosto de 1962 a causa de una sobredosis de barbitúricos, en
circunstancias nunca esclarecidas. La primera hipótesis que barajó la justicia
estadounidense fue la de suicidio, pero esta nunca pudo ser corroborada
EL VIOLÍN
EL VIOLÍN
El
violín (etimología: del italiano violino, diminutivo de viola o viella) es un
instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas. Es el más pequeño y
agudo de la familia de los instrumentos de cuerda clásicos, que incluye la
viola, el violonchelo y el contrabajo, los cuales, salvo el contrabajo, son
derivados todos de las violas medievales, en especial de la fídula.
En
los violines antiguos, las cuerdas eran de tripa. Hoy pueden ser también de
metal o de tripa entorchada con aluminio, plata o acero; la cuerda en mi, la más
aguda ―llamada cantino― es directamente un hilo de acero, y, ocasionalmente, de
oro. En la actualidad se están fabricando cuerdas de materiales sintéticos que
tienden a reunir la sonoridad lograda por la flexibilidad de la tripa y la
resistencia de los metales.
Además
del efecto logrado por el arco, se pueden conseguir otros efectos: pizzicato
(pellizcando las cuerdas como si se tratase de una guitarra, pero no con la
misma posición), trémolo (moviendo el arco arriba y abajo muy rápido), vibrato
(haciendo vibrar los dedos sobre las cuerdas), glissando (moviendo la mano
izquierda arriba y abajo sobre las cuerdas), col legno (tocando con la parte de
madera del arco), sul ponticello (tocando prácticamente sobre el puente).
Las
partituras de música para violín usan casi siempre la clave de sol, llamada
antiguamente «clave de violín».
HISTORIA:
La
genealogía que lleva al violín actual es más compleja. Se encuentra en el
frotamiento de las cuerdas del laúd y el rebab ―y su versión europea, el rabel―,
instrumentos difundidos en la Europa mediterránea durante la expansión medieval
de los árabes. En Italia, a partir de la lira bizantina o el rebab, surgen los
antecedentes más evidentes, tanto del violín como de la llamada viola da gamba;
son tales precedentes la viola de arco (nombre que se utilizaba para todo
instrumento de cuerda frotada con arco, como el rebec o rabel, y que también
recibe las denominaciones de viela, vihuela, vihuela de arco, fídula y giga) y
la lira o viola da braccio, esta ya muy semejante a un violín o viola
primitivos, aunque con el diapasón separando los bordones. Es en el siglo XVII
que aparece el violín propiamente dicho, aunque con algunas diferencias
respecto a la mayoría de los violines que se vienen fabricando desde el siglo
XIX. La tapa superior y las tablas laterales se hacen de madera blanda,
mientras que la tapa inferior se hace de madera dura. La ciudad de Cremona se
hallaba entre un bosque de pinos (madera blanda) y uno de arces (madera dura),
por lo que estas maderas eran las usadas por los grandes maestros violeros. El
arco ha sufrido muchas modificaciones. El modelo actual data del siglo XIX,
cuando François Tourte le dio una curvatura cóncava, que en los modelos más
primitivos era convexa, como la del arco de cacería.
Aunque en el siglo XVII el violín
(violino) se encontraba bastante difundido en Italia, carecía de todo prestigio
(el laúd, la vihuela, la viela, la viola da gamba, la guitarra, la mandolina
eran mucho más considerados). Sin embargo, Claudio Monteverdi es uno de los que
descubren la posibilidad de las calidades sonoras del violín, y es por ello que
lo usa para complementar las voces corales en su ópera Orfeo (1607). Desde
entonces el prestigio del violín comienza a crecer. Hacia esa época comienzan a
hacerse conocidos ciertos fabricantes de violines (llamados aún luteros o
lauderos, o luthiers — más frecuentemente que violeros— ya que inicialmente se
dedicaron a la fabricación de laúdes). Así se hacen conocidos Gasparo
Bertolotti de Saló, o Giovanni Maggini de Brescia, o Jakob Steiner de Viena;
sin embargo, una ciudad se hará celebérrima por sus lauderos especializados en
la confección de violines: Cremona. En efecto, de Cremona son los justamente
afamados Andrea Amati, Giuseppe Guarneri y Antonio Stradivari (sus apellidos
suelen ser más conocidos en su forma latinizada: Amatius, Guarnerius,
Stradivarius). Durante el siglo XIX se destacaron François Lupot y Nicolas
Lupot. Es a partir de entonces, y sobre todo con el barroco, que se inicia la
Edad de Oro (al parecer de allí en más perpetua) del violín.
Desde entonces el violín se ha difundido
por todo el mundo, encontrándose incluso como "instrumento
tradicional" en muchos países no europeos, desde América hasta Asia. El
violín es un instrumento protagonista en las orquestas, grupos de cámara etc.
Especial atención ha recibido en la música árabe, en la que el ejecutante lo
toca apoyado en la rodilla cual si fuera un chelo, y en la música celta
irlandesa, donde el instrumento recibe el nombre de fiddle (derivado del
italiano fidula), y sus músicas derivadas como, en cierto grado, el country. Ha
habido también grandes violinistas de jazz, como Stéphane Grappelli, Jean-Luc
Ponty o Joe Venuti.
En cuanto al secreto de la sonoridad típica
de los violines realizados por las familias Stradivarius y Guarneri, existen
hoy diversas hipótesis que, más bien que excluirse, parecen sumarse; en primer
lugar se considera que la época fue particularmente fría, motivo por el cual
los árboles desarrollaron una madera más dura y homogénea.[cita requerida] A
esto se suma el uso de barnices especiales que reforzaban la estructura de los
violines. También se supone que los troncos de los árboles eran trasladados por
ríos cuyas aguas tenían un pH que reforzaba la dureza de las maderas; también
influye un comprobado tratamiento químico (acaso más que con el objetivo de la
sonoridad, el de la conservación) de los instrumentos, que reforzó la dureza de
las tablas.[cita requerida] Por último, ciertos violines Stradivarius tienen en
sus partes internas un acabado biselado de los contornos en donde contactan las
maderas, el cual parece beneficiar la acústica de estos violines.
GÉNERO MUSICAL: SALSA
GÉNERO:SALSA
Salsa
es el término «comercial» usado desde finales de los años sesenta para definir
al género musical resultante de una síntesis de influencias musicales
africanas, puertorriqueñas, venezolanas, cubanas, jamaiquinas, brasileñas,
dominicanas y colombianas con otros elementos de música caribeña, música
latinoamericana y jazz, en especial el jazz afrocubano y el jazz brasileño. La
salsa fue desarrollada por músicos de origen «hispano» en el Gran Caribe y la
ciudad de Nueva York. La salsa abarca varios estilos como la salsa dura, la
salsa romántica y la timba.
Historia:
Durante
los años treinta, cuarenta y cincuenta, la música afrocubana era consumida
ampliamente por los sectores de origen «latino» (‘latinoamericano’) en la
ciudad de Nueva York. Los cubanos en Nueva York, los puertorriqueños y otros músicos
de otros países, fundamentan su música en gran medida en los elementos de
origen afrocubano.
Según
algunos músicos e historiadores,[¿quién?] salsa es un nombre comercial dado a
toda la música cubana en los años setenta. La salsa se expandió a fines de los
años setenta y durante los ochenta y noventa. Nuevos instrumentos, nuevos métodos
y formas musicales (como canciones de Brasil) fueron adaptados a la salsa.
Nuevos estilos aparecieron como las canciones de amor de la salsa romántica.
Mientras tanto la salsa se convirtió en parte importante de la escena musical
en Cuba, Puerto Rico, Colombia, Perú, República Dominicana, Venezuela, Panamá y
lugares tan lejanos como Japón. Con la llegada del siglo XXI, la salsa se ha
convertido en una de las formas más importantes de la música popular en el
mundo.
Orígenes
e instrumentación
La
integración de las tumbadoras y el bongo en los conjuntos que tocaban son
montuno fue un elemento fundamental en la instrumentación de orquestas de
baile.
A
fines de los años veinte, los sextetos y septetos de son, que usaban bongó,
alcanzaron en Cuba una notable popularidad. En 1928, Gerardo Machado con la
intención de reducir la influencia de los elementos africanos en la música
cubana, prohibió el uso del bongó, las congas y las comparsas de carnaval. Esto
provocó que las orquestas de charangas con el uso timbales) incrementaran su
popularidad.6 El bongó fue reintroducido en la música popular cubana a finales
de los años treinta.[cita requerida]
Cerca
de 1940, el Conjunto Llave (de Rafael Ortiz) introdujo las tumbadoras o congas
en una orquesta,[cita requerida] instrumentos que anteriormente solo se usaban
en música folclórica afrocubana. Arsenio Rodríguez popularizó el uso de las
congas al integrarlas a su conjunto, introduciendo el son montuno a nivel
comercial.7
En
los años cuarenta, Mario Bauza, director y arreglista de la orquesta de Machito
«Los Afro-Cubans», agregó trombones al son montuno y la guaracha. Estas
innovaciones influenciaron a músicos como José Curbelo, Benny More, Bebo Valdés.[cita
requerida] En el álbum Tanga (de 1943), Bauza fusionó elementos de la música
afrocubana con el jazz.
La
influencia del jazz afrocubano y del mambo desarrollado por Pérez Prado en
1948, propició la introducción del saxofón en las orquestas de son montuno y
guaracha. En 1955, Enrique Jorrín le agregó trompetas a las orquestas de
charanga, que hasta ese momento solo usaban violín y flauta.[cita requerida]
Ya
para los años cincuenta, la música bailable cubana, es decir el son montuno, el
mambo, la rumba y el chachachá, se constituyó en un elemento de gran
popularidad en los Estados Unidos y Europa.5
En
la ciudad de Nueva York, el «sonido cubano» de las bandas se fundamentó en los
aportes de músicos cubanos, puertoriqueños y dominicanos. Como ejemplo, podemos
mencionar a Machito, Tito Rodríguez, Johnny Pacheco, Tito Puente o incluso
figuras como el director catalán Xavier Cugat. Por otro lado, y ya fuera del círculo
de Nueva York, grupos como la Orquesta Aragón, la Sonora Matancera y Dámaso Pérez
Prado y su mambo lograron una importante proyección a nivel internacional.5
El
mambo fue influenciado por el jazz afrocubano y el son. Las grandes bandas de
este género mantuvieron viva la popularidad de la larga tradición del jazz
dentro de la música latina, mientras los maestros originales del jazz se
circunscribieron a los exclusivos espacios de la era del bebop.8
La
música latina interpretada en Nueva York desde 1960 fue liderada por músicos
como Ray Barretto y Eddie Palmieri, los cuales estaban fuertemente
influenciados por ritmos cubanos importados como la pachanga y el chachachá.
Después de la crisis de los misiles en 1962, el contacto cubano-estadounidense
decayó profundamente.8
En
1969 Juan Formell introdujo el bajo eléctrico en los conjuntos soneros de
Cuba.9
El
cuatro puertorriqueño fue introducido por Yomo Toro en la orquesta de Willie
Colón[cita requerida] en 1971 y el piano eléctrico en los años setenta por
Larry Harlow.[cita requerida]
En
los años setenta se incrementó la influencia puertorriqueña en el ámbito de la
música latina en Nueva York y los «nuyoricans» pasaron a ser una referencia
fundamental. La palabra salsa para designar la música hecha por los «latinos»
en Estados Unidos, comenzó a usarse en las calles de Nueva York a finales de
los años sesenta y principios de los setenta. Por esta época, el pop latino no
era una fuerza importante en la música que se escuchaba en Estados Unidos,
habiendo perdido terreno frente al doo wop, al R&B y al rock and roll. En
ese contexto, el surgimiento de la salsa abrió un nuevo capítulo de la música
latina, especialmente en los Estados Unidos.
CARACTERÍSTICA:
Ritmo:
Utiliza como base la clave de son, el patrón rítmico del son cubano, que puede
ser 2-3 o 3-2.
Melodía:
En muchos casos las melodías usadas en la salsa se corresponden con las
empleadas tradicionalmente en el son montuno aunque puede asimilarse también a
otros géneros de la música cubana y caribeña tradicional, inclusive melodías de
la música popular latinoamericana.
Armonía:
Se corresponde con la utilizada en la música occidental.
Instrumentación:
Usa instrumentos de percusión cubanos popularizados desde los años veinte como
pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas y conga. Arsenio
Rodríguez se presentó como el primer músico en incorporar la conga o tambó a
las orquestas de baile.
Amén
de la percusión, la instrumentación se completa con piano, contrabajo (en
muchos casos bajo eléctrico), trompetas, saxofón, trombónes, flauta y violín.
La influencia del jazz afrocubano viene determinada por el arreglo aunque no es
una condición imprescindible en la salsa.
PENTAGRAMA
PENTAGRAMA
El
pentagrama (del griego: πεντα, penta: cinco, y γράμμα, grama: escritura, dibujo,
línea) o pauta musical es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás
signos musicales en el sistema de notación musical occidental. Está formado por
cinco líneas y cuatro espacios o interlíneas, que se enumeran de abajo hacia
arriba. Las líneas son horizontales, rectas y equidistantes
Historia:
La
pauta musical o pentagrama tal como lo conocemos hoy se originó a partir de la
notación musical del canto gregoriano en la Edad Media. Hasta ese momento se
utilizaba una serie de signos en conjunción con el texto para representar la
altura. Sin embargo, cuando los cantos propiamente dichos fueron escritos se
comenzaron a emplear líneas para representar la altura, junto con los signos
indicadores de altura por encima del texto. Cuando se empieza a utilizar la
pauta musical apenas se usaba una línea coloreada, que data del siglo IX. Dicha
línea se colocaba sobre el texto del canto. La altura estaba representada por
la distancia de las notas en relación a la línea. Como esto no era muy preciso,
con el tiempo se fueron añadiendo más líneas hasta configurar el pentagrama que
usamos hoy en día.
Entre
finales del siglo X y principios del siglo XI Guido D'Arezzo2 llevó a cabo
mejoras fundamentales para la escritura musical. Entre otros logros, se le
atribuye a este monje benedictino la invención de la pauta de cuatro líneas,
llamada tetragrama, a intervalos de tercera. Sus mejoras contribuyeron a
representar con más precisión la altura de las notas musicales, su duración y
el compás de la música, en la enseñanza de la música y en el canto gregoriano.
En
el siglo XIII algunos manuscritos incorporaron ya una quinta línea (no se
impuso hasta el siglo XV) y esta configuración se ha venido utilizando hasta la
actualidad. La pauta de cinco líneas o pentagrama fue creada en Italia por
Ugolino de Forlí. El uso de esta pauta musical se generalizó en Francia en el
siglo XVI y se asentó definitivamente en toda Europa a partir del siglo XVII.
Los términos para designar esta pauta musical en algunas lenguas reflejan la
importancia de las cinco líneas, como por ejemplo el español «pentagrama» o el
italiano «pentagramma».
lunes, 9 de noviembre de 2015
TABLA DE NOTAS MÚSICALES
- do, re, mi, fa, sol, la, si (según el sistema latino de notación).
- C, D, E, F, G, A, B (según el sistema inglés de notación musical, también llamado denominación literal).
- C, D, E, F, G, A, H (según el sistema alemán de notación musical. La B equivale al si bemol).
Los intervalos musicales correspondientes a cada una de las siete notas diatónicas son:
| Nota musical | Segunda | Tercera | Cuarta | Quinta | Sexta | Séptima |
|---|---|---|---|---|---|---|
| do | re: segunda mayor | mi: tercera mayor | fa: cuarta justa | sol: quinta justa | la: sexta mayor | si: séptima mayor |
| re | mi: segunda mayor | fa: tercera menor | sol: cuarta justa | la: quinta justa | si: sexta mayor | do: séptima menor |
| mi | fa: segunda menor | sol: tercera menor | la: cuarta justa | si: quinta justa | do: sexta menor | re: séptima menor |
| fa | sol: segunda mayor | la: tercera mayor | si: cuarta aumentada | do: quinta justa | re: sexta mayor | mi: séptima mayor |
| sol | la: segunda mayor | si: tercera mayor | do: cuarta justa | re: quinta justa | mi: sexta mayor | fa: séptima menor |
| la | si: segunda mayor | do: tercera menor | re: cuarta justa | mi: quinta justa | fa: sexta menor | sol: séptima menor |
| si | do: segunda menor | re: tercera menor | mi: cuarta justa | fa: quinta disminuida | sol: sexta menor | la: séptima menor |
FOTOGRAFÍA JUVENIL
FOTOGRAFÍA
La fotografía es el arte y la técnica de
obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz.. Es el proceso de proyectar imágenes y
capturarlas, bien por medio del fijado en un medio sensible a la luz o por la
conversión en señales electrónicas. Basándose en el principio de la cámara
oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre
una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido. Para
capturar y guardar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizan película
sensible para la fotografía analógica, mientras que en la fotografía
digital, se emplean sensores CCD, CMOS y memorias digitales.
Este término sirve para denominar tanto al conjunto del proceso de obtención de
esas imágenes como a su resultado: las propias imágenes obtenidas o «fotografías»
LA FOTOGRAFÍA COMO ARTE….
La fotografía no fue siempre considerada un
arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los
fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo
del retrato pintado ya que aquel era mucho más barato. Como el retrato
fotográfico remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron
convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de
Félix Tournachon, Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Éste fue
el primer ingreso de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores
fueron algunos de los que lucharon por que la fotografía sea considerada un
arte.
A mediados del siglo XIX apareció una nueva
tendencia artística, el naturalismo. La aparición de esta nueva tendencia,
centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un
alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue
la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el
arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba
ampliamente a la pintura en este aspecto. Por otra parte, el constante
desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas
sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor
significado estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía
hacia el arte.
Más tarde se descubrieron técnicas usando
clara de huevo, que hacían posible lograr que la imagen por sí misma se quedara
grabada en el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la
comprensión del fenómeno químico implicado y a una continua experimentación con
materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un papel
fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador
para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara la película.
La fotografía como arte, ciencia y experiencia
humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En cuanto fue
posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la
posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su
enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la
fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.
En la actualidad, la fotografía artística
en sí, tiene un carácter muy subjetivo. Los movimientos artísticos durante las
primeras décadas del s.XX, particularmente el Modernismo y sus ramas derivadas
que van desde el impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo
abstracto tuvieron una gran influencia en la fotografía.18 Ya en la actualidad,
la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación
de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión
artística; la fotografía de Annie Leibovitz, Helmut Newton y David LaChapelle
entre otros, siguen siendo parte de la nueva revolución fotográfica.
El lenguaje artístico fotográfico partió de
la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a
la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la
captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del
momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la
fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente
comprensible, muy directo para cualquier observador.
Hoy la fotografía
es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas
cámaras fotográficas. Prefiriéndose actualmente las cámaras con una buena
óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras
orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador es dirigida por la
electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su
imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con
vídeo y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo,
el futuro de este arte.
Aplicación donde encontramos arte...
FOTOGRAFÍA
La fotografía es el arte y la técnica de
obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz.. Es el proceso de proyectar imágenes y
capturarlas, bien por medio del fijado en un medio sensible a la luz o por la
conversión en señales electrónicas. Basándose en el principio de la cámara
oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre
una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido. Para
capturar y guardar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizan película
sensible para la fotografía analógica, mientras que en la fotografía
digital, se emplean sensores CCD, CMOS y memorias digitales.
Este término sirve para denominar tanto al conjunto del proceso de obtención de
esas imágenes como a su resultado: las propias imágenes obtenidas o «fotografías»
LA FOTOGRAFÍA COMO ARTE….
La fotografía no fue siempre considerada un
arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los
fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo
del retrato pintado ya que aquel era mucho más barato. Como el retrato
fotográfico remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron
convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de Félix
Tournachon, Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Éste fue el
primer ingreso de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores
fueron algunos de los que lucharon por que la fotografía sea considerada un
arte.
A mediados del siglo XIX apareció una nueva
tendencia artística, el naturalismo. La aparición de esta nueva tendencia,
centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un
alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue
la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el
arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba
ampliamente a la pintura en este aspecto. Por otra parte, el constante
desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas
sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor
significado estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía
hacia el arte.
Más tarde se descubrieron técnicas usando clara
de huevo, que hacían posible lograr que la imagen por sí misma se quedara
grabada en el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la
comprensión del fenómeno químico implicado y a una continua experimentación con
materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un papel
fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador
para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara la película.
La fotografía como arte, ciencia y
experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En
cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar
apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la
cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a
la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.
En la actualidad, la fotografía artística
en sí, tiene un carácter muy subjetivo. Los movimientos artísticos durante las
primeras décadas del s.XX, particularmente el Modernismo y sus ramas derivadas
que van desde el impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo
abstracto tuvieron una gran influencia en la fotografía.18 Ya en la actualidad,
la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación
de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión
artística; la fotografía de Annie Leibovitz, Helmut Newton y David LaChapelle
entre otros, siguen siendo parte de la nueva revolución fotográfica.
El lenguaje artístico fotográfico partió de
la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a
la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la
captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del
momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la
fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente
comprensible, muy directo para cualquier observador.
Hoy la fotografía
es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas
cámaras fotográficas. Prefiriéndose actualmente las cámaras con una buena
óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras
orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador es dirigida por la
electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su
imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con
vídeo y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo,
el futuro de este arte.
NOTA MUSICAL: SOL
Sol en notación
latina o G en notación anglosajona, es el nombre de
la quinta nota musical de la escala diatónica de domayor.
Antes de la adopción del solfeo, se utilizaba la notación alfabética
conforme a la cual las notas eran designadas por letras. En este sistema la
nota sol corresponde a la letra «G». En diversos idiomas se mantiene esta
denominación.
Posteriormente el nombre de esta nota fue «sol», que deriva del inicio
del quinto verso del himno religioso Ut queant laxis, usado por Guido d'Arezzo
para nombrar todas las notas musicales.
En temperamento igual el sol que
queda por encima del do central del piano (G4)
tiene una frecuencia aproximada de 391.995 Hz. Este sonido cuenta con
dosenarmónicos, que son fa doble sostenido y la doble bemol.
| Nombre alemán de las octavas1 | Notación científica | Notación franco-belga | Notación Helmholtz | Frecuencia (Hz). |
|---|---|---|---|---|
| Subsubcontraoctava | G-1 | sol-2 | G͵͵͵ o ͵͵͵G | 12.25 |
| Subcontraoctava | G0 | sol-1 | G͵͵ o ͵͵G | 24.5 |
| Contraoctava | G1 | sol0 | G͵ o ͵G | 48.999 |
| Gran octava | G2 | sol1 | G | 97.999 |
| Pequeña octava | G3 | sol2 | g | 195.998 |
| Octava prima | G4 | sol3 | g′ | 391.995 |
| Octava segunda | G5 | sol4 | g′′ | 783.991 |
| Octava tercera | G6 | sol5 | g′′′ | 1567.982 |
| Octava cuarta | G7 | sol6 | g′′′′ | 3135.964 |
| Octava quinta | G8 | sol7 | g′′′′′ | 6271.927 |
| Octava sexta | G9 | sol8 | g′′′′′′ | 12543.854 |
Suscribirse a:
Entradas (Atom)